La mejor publicidad para ‘Patria’

La mejor publicidad para 'Patria'

La serie Patria que próximamente estrena HBO será un éxito. Estoy convencido, sencillamente, porque el punto del que parten es una absoluta maravilla: el libro de Fernando Aramburu. Comienza a anunciarse la serie y se ha liado la marimorena por el cartel utilizado. En virtud de la libertad de expresión, todo el mundo tiene derecho a expresar su opinión, aun cuando ni siquiera se entienda el asunto del que se opina. Quienes ven equidistancia en el cartel yerran. Quienes, por el hecho de que ETA asesinó vilmente a cientos de personas, pretenden olvidar las torturas que tuvieron lugar en el cuartel de Intxaurrondo a sospechosos de pertenecer a la banda terrorista también yerran.

Las redes sociales arden, bien alimentadas con la gasolina que vierten ciertos medios de comunicación y la inmolación de la poca dignidad que le queda a algún que otro personajillo público que se cree con más derecho que nadie a opinar sobre esta cuestión, además, sentando cátedra. Enhorabuena, todos ellos y ellas acaban de facilitar la mejor campaña de publicidad a la serie que codirigen Aitor Gabilondo, Félix Viscarret y Óscar Pedraza. Y será un éxito.

Quienes pensábamos verla, especialmente por haber leído el libro previamente, continuaremos viendo la serie, a pesar del cartel. ¿A pesar? Bueno, no, a pesar, porque quienes hemos leído la obra de Aramburu entendemos a la perfección el cartel. Nada tiene de insultante ni de humillante con las víctimas; diría, incluso, que es un prodigio de buen gusto, pues en la parte de la tortura se ha obviado que aparezca algún uniforme de la Guardia Civil para no herir sensibilidades a gente de piel fina.

Así pues, la polémica es artificial e interesada, pero amparándonos en la libertad de expresión era de esperar, del mismo modo que muchas personas, entre las que me incluyo, leamos comentarios sobre este asunto, por lo general sembrados de exabruptos y delirios, y sintamos una mezcla de risa y lástima. Abordar la historia de ETA en Euskadi no es sencillo; en su historia donde la mujer es protagonista, Aramburu lo hizo magistralmente. No se trata ni de balancear, ni de encontrar equilibrio, ni de contar únicamente lo que a una de las partes le interesa… entre otras cosas, porque hay muchas partes.

Quienes no compartan esta visión, que no vean la serie, que cancelen su suscripción a HBO o que hagan lo que les dé la real gana; están en su derecho, siempre y cuando al resto nos dejen seguir con nuestras vidas, sin censura, sin tragarnos aborregadamente su versión de la historia. Es así de sencillo… o tan complicado, porque apuesto a que buena parte de los indignados e indignadas ni siquiera han leído el libro. Será mucho pedir. Ojalá la serie esté a la altura y, a quienes tenemos una mirada más limpia, nos haga disfrutar como ya lo hicimos con Aramburu y, a quienes no, les ayude a reducir su miopía.

https://blogs.publico.es/david-bollero

‘Project Power’, de Netflix

Esto fue totalmente inesperado, un éxito espontáneo, viral. Por eso vale la pena que, si no lo ha visto, lo vea, y que, si ya lo vio, se lo recomendemos a más personas.

Por supuesto, me refiero a Project Power, una película de Netflix que tiene cautivadas a las multitudes de México y de todo el mundo.

¿Por qué? Porque lo que dice, por cómo lo dice, porque es diferente y emocionantísima.

Le explico: Project Power es una superproducción de verano, lo que en la industria de conoce como blockbuster, que narra la lucha de las autoridades de Nueva Orleans por combatir la venta de una nueva droga.

¿Qué tiene esto de especial? Que esa droga es el sueño dorado de cualquier mujer, de cualquier hombre de 2020.

No es una droga que dé placer, que dé tranquilidad, que agite o que estimule los sentidos. Es una droga que da poder.

¿Qué clase de poder? El que sólo un superhéroe puede llegar a tener.

A ver, a ver. ¿Cómo? Sí, usted se mete esa sustancia y podrá convertirse en una antorcha humana, congelar todo a su alrededor o adquirir una fuerza descomunal.

El “pequeño” detalle es que ese superpoder va a depender de usted, de su composición genética, de cosas todavía misteriosas y que, como toda droga, su uso tiene consecuencias, efectos secundarios.

No le voy a contar más detalles para no arruinarle la experiencia, pero sí se trata de un título fundamental porque más allá de la diversión, tiene dos componentes increíblemente especiales.

Primero: esto es un giro radical a todo lo que se había hecho antes cuando se hablaba de superhéroes. Ni siquiera cuando se trataba de experimentos crítico o filosóficos.

Aquí tenemos el mundo de los superhéroes aplicado a los más grandes conflictos sociales del momento. Aquí tenemos superpoderes sociales.

Y segundo, Project Power es un narcocontenido como El señor de los cielos, como La reina del sur, como Pablo Escobar, el patrón del mal.

Pero, por primera vez en la historia, un narcocontenido 100 por ciento positivo, una película que combate la producción, venta y consumo de las drogas desde la producción, la venta y el consumo de las drogas.

Es un caso interesantísimo porque aquí, a diferencia de los más exquisitos contenidos premium del mundo como Narcos o El Chapo, no se está haciendo “cine independiente”. Se está haciendo “cine de alta popularidad”.

¿Qué significa esto? Que todas las ideas, en lugar de quedarse en un nicho muy elegante y estudiado, le llegan a todas las audiencias habidas y por haber: desde los chavos que están expuestos a las tentaciones hasta los padres de familia y las autoridades.

Por si todo lo que le acabo de decir no fuera suficiente, esta película goza de una producción que no le pide nada a las más caras cintas de acción que cualquiera podría ir a ver a un cine y tiene un reparto de lujo.

Vamos del gran Jamie Foxx de Django sin cadenas al maravilloso Joseph Gordon-Levitt de El origen pasando por la fantástica Dominique Fishback de aquella joyita incunable titulada The Deuce, por el poderoso Rodrigo Santoro de 300 y por muchas otras celebridades más.

Sí hay que verla, pero, sobre todo, comentarla, discutirla, llevarla al nivel que le corresponde. Project Power es enorme, un éxito espontáneo, viral. ¿O usted qué opina?


alvaro.cueva@milenio.com

https://www.milenio.com/opinion/alvaro-cueva/el-pozo-de-los-deseos-reprimidos

FILOSOFÍA Y PSICOANÁLISIS EN ‘DARK’: UNA CONVERSACIÓN EN VIVO

SI YA VISTE ‘DARK’, NO TE PIERDAS NUESTRA TRANSMISIÓN EN VIVO PARA HABLAR SOBRE LA SERIE, NUESTRAS IMPRESIONES Y SUS REFERENCIAS FILOSÓFICAS Y PSICOANALÍTICAS
Filosofía y psicoanálisis en Dark: una conversación en vivo

Este jueves 16 de julio a las 7 p. m. (hora del centro de México), a través de nuestra página de Facebook, volveremos a contar con José Pedro Cornejo, de El fuego de Prometeo, y con Alejandro Cavallazzi, de Estamos filosofando. Esta vez, para conversar sobre la serie alemana de Netflix: Dark.

Esta plática estará llena de spoilers, por lo que si no has visto la serie o no la has terminado, aún tienes tiempo para hacerlo.

Estaremos platicando un poco sobre las referencias filosóficas y psicoanalíticas de la serie, además de que nuestros invitados analizarán cómo Dark nos muestra que es posible hablar con sentido de cosas falsas. 

Hablaremos de las paradojas que están presentes en la serie, de cómo está en juego la causalidad, de la percepción del tiempo y cómo lo experimentamos, sobre la libertad y si es posible alcanzarla.

Les compartimos los dos análisis que ya ha hecho el canal de El fuego de Prometeo. 

¿Ya viste la serie? ¿Qué te pareció? ¿Te quedaste con dudas? Cuéntanos tus impresiones en nuestra sección de comentarios. 

https://pijamasurf.com/

Netflix estrena la primera película sobre la pandemia

Netflix Unveils Coronavirus Short Film Collection 'Homemade' – Variety

MAXIMILIANO TORRES

La primera película relacionada con la pandemia del covid-19 se estrenó el pasado 30 de junio en Netflix. ¿No es extraño ver una película sobre un suceso que todavía estamos viviendo? El cine requiere tiempo para tomar perspectiva de los eventos históricos, aunque no es una regla. Las películas sobre la Segunda Guerra Mundial comenzaron a producirse a la par del conflicto bélico; aquellas sobre la guerra de Vietnam llegaron dos años después del término de dicha guerra, la primera cinta que habló de los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001 en Nueva York, se estrenó en 2002. Quizá lo extraño de esta experiencia radica en que nos toca ver una cinta sobre algo que, por primera vez, afecta directa y simultáneamente a todas las generaciones que habitamos el planeta. 

Homemade es una colección de cortometrajes de seis minutos hechos bajo las reglas sanitarias del confinamiento por directores de cine de renombre. La idea fue del siempre interesante Pablo Larraín; eso ya es ganancia. Son 17 historias breves que narran lo que para muchos puede ser ser nuestra historia: horas interminables en el encierro doméstico que transcurren entre ansiedad, aburrimiento y reflexión. Para quienes no hemos dejado de trabajar en la cuarentena y hacemos home office , lo siento: aquí no hay cortos que traten esa realidad, ya que los cineastas están contándonos acerca de sus vidas y ellos son bohemios, creativos, espíritus libres. Existe el riesgo de que la temática del aislamiento sea repetitiva o fatigante para una audiencia ciclada de las videollamadas, de estar a diario en los mismos espacios de su casa, de convivir con las mismas personas. Un vistazo al top ten de lo más visto en Netflix nos dirá que su audiencia busca escapismo puro y duro. ¿Por qué ver a gente que está en la misma situación que nosotros cuando podemos perdernos en la líneas de tiempo de Dark o en las pasarelas de RuPaul’s Drag Race ? También es posible de que Homemade apele al espectador que quiera identificarse. Siete de los 17 cortos documentan el encierro sin capas de imaginación. Siendo este un experimento en el que todos los directores se sometieron a las mismas reglas, no deja de ser interesante ver cómo cada realizador imprime su mirada al distanciamiento social. Otros cinco cortos son protagonizados por los hijos de los cineastas, dándonos la mirada de las generaciones para las que la pandemia es la normalidad, ni vieja, ni nueva. De entre todos, los sobresalientes son: Espacios , de la mexicana Natalia Beristáin, en el que la directora de Los adioses imagina a su hija valiéndose por sí misma en casa, sin compañía de adultos. Last call , de Pablo Larraín, en el que un anciano en un asilo amenazado por los contagios hace una videollamada al amor de su vida. Y The lucky ones , de Rachel Morrison, una reflexiva carta de amor a sus hijos pequeños. Homemade es el París te amo de Netflix en tiempos de pandemia. Para los estándares del servicio de streaming que introdujo a nuestra vida el binge watching puede ser tediosa. Pero como en todas las cintas episódicas, vale la pena verlas porque siempre salen una o dos joyitas.

https://www.milenio.com/opinion

‘Breaking Bad’ o ‘El ciudadano Kane’ de las series

           

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¿Podríamos considerar que Breaking Bad es el Ciudadano Kane de las series de televisión? Pensemos… Orson Welles no inventó nada con Ciudadano Kane, pero utilizó de manera genial los recursos técnicos y narrativos del cine de la época. Por esto, la obra de Welles es un referente para cineastas posteriores.

De la misma manera, Breaking Bad reúne las técnicas narrativas de las series de televisión de las dos últimas décadas. De este modo, podría ser tomada como referente para futuros creadores.

(Abajo, un mapa mental sobre las técnicas que otras series que Breaking Bad recrea, y algún que otro espóiler pequeñito).

Amistades traicionadas

El crítico de cine Rogert Ebert escribió de Ciudadano Kane:

«Posiblemente es la película más importante de la historia del cine, por dos razones: consolidó el lenguaje cinematográfico que había hasta 1941 y abrió nuevos caminos en áreas como la estructura narrativa. La otra razón es que se demostró la «teoría de autor» antes de que se definiera. Era «una película de Orson Welles».

Podemos tomar el texto de Ebert y cambiar Ciudadano Kane por Breaking Bad, cine por televisión, y Orson Welles por Vince Gilligan. Sin duda, Breaking Bad es el triunfo de la televisión de autor. El guionista no es una «pieza del engranaje» de producción, ni un «traductor» o «mono amaestrado» del «estilo del director».

Es curioso que ambas historias sean retratos de la ambición humana cuando se mezcla con la falta de escrúpulos. Kane y Heisenberg se creen listísimos, invulnerables, y que todo lo tienen bajo control, pero solo es una ilusión; no tienen tranquilidad, no tienen amigos y acumulan riquezas de las que no disfrutan.

La imagen de abajo intenta exponer qué técnicas y recursos utiliza Breaking Bad.

‘Breaking Bad’ o ‘El ciudadano Kane’ de las series

 

Vemos que Breaking Bad reúne los aciertos de distintas series contemporáneas. Algunos de los puntos se explican por sí mismos, otros como la estética cinematográfica o el tono minimalista ya fueron tratados en Yorokobu. Y otros, requieren un breve comentario aquí.

MITOLOGÍA

Posiblemente, Star Trek es la primera serie con una mitología propia. En este caso, necesaria porque los personajes son del futuro y mantienen relaciones con especies no humanas. Es una mitología que adorna a los personajes.

Lost crea y fomenta una mitología compuesta por números, simbología, arte, referencias bíblicas y filosóficas. Desde el comienzo, la mitología hace creer a los espectadores que ven un espectáculo más complejo de lo que realmente es. Por esto la mitología lostsiana gana en su momento millones de adeptos y llena libros y blogs.

Por el contrario, los espectadores de Breaking Bad no son conscientes de la mitología durante las primeras temporadas. Para los seguidores, un sombrero es un sombrero, un oso es un oso, el logo de Pollos Hermanos un diseño vulgar… Estos y otros objetos alcanzan la categoría de iconos con el tiempo. Cuando el espectador de esta serie novela comprende qué significa cada objeto en la historia.

EL FLASHBACK DRAMÁTICO

El flashback servía en las series del siglo pasado para ilustrar las palabras de los personajes: el detective que explica cómo ha resuelto el caso o el adolescente que miente a sus padres sobre qué hizo el fin de semana (en este caso, las imágenes no se corresponden con la historia).

El flashback dramático estaba prohibido en las series. Los productores consideraban que los espectadores podían «despistarse». Lost redescubrió el flashback dramático, y este es su mayor aporte a la narrativa de las series.

Breaking Bad apenas utiliza flashbacks, pero cuando lo hace tiene una clara intención. El pasado de Walter White no explica el presente, sino que funciona como contraste con el presente de Heisenberg.

FLASHFOWARD DRAMÁTICO

El flashfoward (una escena del futuro) es la flor más rara del cine, y mucho más en las series, hasta que llegó Breaking Bad.

Gilligan abre más de un capítulo con un flashfoward para desconcertar e intrigar a los espectadores. Las imágenes nunca pueden ser ubicadas: ¿Presente o pasado? ¿Quién es el niño que encuentra un ojo de cristal? ¿Quién conduce la moto? Otras veces, el espectador carece de contexto para los planos que muestra Gilligan (¿Una bolsa con una cabeza humana o qué?)

Mujeres abandonadas

LA NOVELIZACIÓN

Si comienzas a leer una novela rusa en el capítulo treinta, es posible que no te enteres de nada. Tampoco es posible engancharse a series como House of Cards o Juego de Tronos comenzando a ver por el capítulo 6. Eso es la novelización de las series: para entrar en una serie debes comenzar por el capítulo uno de la primera temporada, porque sino estás perdido. Sin embargo, puedes engancharte a series como CSI o Modern Family a partir de cualquier capítulo.

La novelización apuntada con Twin Peaks fue refinada por David Simon con The Wire. Simon desarrolla el universo de Baltimore a lo largo de cinco temporadas. The Wire está concebida como una «novela total» con Herman Melville como referente. Sin embargo, un espectador podría entrar en The Wire comenzando por cualquiera de sus temporadas. Vamos a explicarlo…

… Un lector no puede abrir una novela de Sherlock Holmes por la página 50 porque se perdería (¿Quién ha muerto? ¿A quién buscan? ¿Quién es este?). Pero un lector puede entrar en el universo creado por Conan Doyle a partir de cualquiera de los libros y relatos sobre el detective. De la misma manera, los libros sobre Mundodisco o sobre Tom Ripley pueden ser leídos en distinto orden, aunque cada saga tenga una continuidad de personajes y tramas.

Del mismo modo, un espectador no puede entrar en el capítulo 4 de la temporada 4 de The Wire, pero sí puede entrar en el capítulo 1 de la temporada 4. Aunque haya una continuidad de las historias personales de los protagonistas de The Wire, cada temporada es un bloque que puede ser visto con independencia porque está centrada en un gran caso policial.

Breaking Bad lleva la novelización a un grado superior porque apenas tiene «puntos de entrada». Un espectador que se acerque a Breaking Bad en la quinta temporada no la entenderá y no la disfrutará, al menos no en toda su complejidad, porque todo comienza «in medias res» (a la mitad de las cosas).

Mientras que The Wire da carpetazo a cada caso al final de cada temporada, en Breaking Bad esto no es posible. Heisenberg es un personaje en progreso. El Heisenberg de ahora no es el Heisenberg de tres capítulos atrás. Parafraseando a Heisenberg, el físico alemán: «Puedes determinar el estado en que se encuentra Walter White en un momento concreto, pero no puedes predecir en qué estado estará dentro de dos capítulos».

La novelización de Breaking Bad está llevada hasta las últimas consecuencias, y conduce a Walter White a un final dramático que toma como referente La Poética de Aristóteles. Igual que Ciudadano Kane permanece como un referente aún no superado, es posible que pase mucho tiempo antes de que una serie de televisión supere los logros de Breaking Bad.

Hombres que se sienten poderosos

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Run: la comedia de humor negro que la rompe en HBO

Producida por Phoebe Waller Bridge, la serie protagonizada por Merritt Wever y Domhnall Gleeson es una ágil historia que mezcla el humor con el suspenso. Su potencial adictivo está en que no deja clara ni la trama ni la naturaleza de sus protagonistas. El espectador quiere más porque no es fácil saber qué está pasando ni lo que se viene.


Run: la comedia de humor negro que la rompe en HBO

Ruby estaba en el estacionamiento del supermercado, a punto de partir a su clase de yoga, cuando recibió un mensaje de texto que solo dice: “CORRE”. La ansiedad comienza a aumentar. Duda por unos minutos, y decide responder exactamente lo mismo. Acto seguido, está en el aeropuerto comprando un pasaje de ida a Nueva York con el objetivo de llegar a la estación Gran Central.

El plan que ideó hace 17 años junto a su ex novio -Billy- está en marcha y ya no hay vuelta atrás, el pacto de olvidar todo y comenzar de nuevo cuando una de las partes escribiera “Corre” y la otra respondiera lo mismo, sigue vivo independiente de sus carreras y familias.

Es difícil definir Run. No es un drama, pero muestras situaciones y emociones complejas. No es comedia, pero los protagonistas tienen un humor negro que empapa la historia de aquel dinamismo. Quizás el concepto anglo ‘dramedy’ sea lo más correcto con esta producción creada por Vicky Jones, mejor amiga y colaboradora frecuente de Phoebe Waller-Bridge (Fleabag, Killing Eve), quien se desempeña como productora ejecutiva.

Run: la comedia de humor negro que la rompe en HBO

Protagonizada por Merritt Wever (Marriage Story, Unbelievable) y Domhnall Gleeson (Harry Potter, Star Wars, Black Mirror), la acción comienza con ella, Ruby Richardson, en la cotidianidad de una mujer adulta que bordea los 40 con una rutina común y corriente, y el objetivo de-todos-los-días llegar a casa con su familia. Billy Johnson, en tanto, es una suerte de gurú espiritual y autor éxito de ventas.

  • Run: esta sí que sí

Casi 20 años después de haber hecho un acuerdo por recorrer América juntos si algún día decidían dejar todo atrás y reiniciar sus vidas, se darán cuenta que no es tan fácil como abandonar su realidad y entregarse a la aventura. El presente sigue persiguiéndolos haciéndolos dudar de las decisiones que están tomando.

Gran parte de la acción se desarrolla a bordo de un tren, lo que aumenta la sensación adrenalínica de constante movimiento y la misión de solo ver hacia adelante en la vida. La ansiedad se siente a grandes niveles con los personajes corriendo, los rápidos cambios de escena y la gran cantidad de información que se recibe en pocos minutos.

Run deja al espectador la tarea deductiva y despierta su curiosidad desde el minuto uno. No se molesta en ser sobre-explicativa porque su encanto está en ser una locura que provoca adicción a partir del no entender qué está pasando y la imposibilidad para anticipar qué ocurrirá. Tiene ese no-sé-qué que logra que los minutos pasen tan fugaces como los paisajes por las ventanas de ese tren.

HBO ha estrenado a la fecha solo el primer episodio de Run -ya disponible en HBO GO-, y los siguientes seis debutarán en la pantalla chica los días domingo a las 12 de la noche. Para el 24 de mayo estarán los 7 capítulos de la serie en el catálogo de la plataforma streaming.

https://www.latercera.com/culto/

‘Tales from The Loop’, ciencia ficción nacida del arte de combinar lo posible y lo imposible

Un universo envolvente, personajes infelices en busca de la felicidad y grandes temas universales componen la oferta de la nueva serie de Amazon Prime Video, ya disponible.

Imagen promocional de Tales from the Loop. / ARCHIVO
Imagen promocional de Tales from the Loop. / ARCHIVO

MARÍA JOSÉ ARIAS

En Mercer, Ohio (EEUU), hay una instalación llamada The Loop en cuyo interior se aloja el corazón de la misma. Dicen de ella que su función es ‘desbloquear y explorar los misterios del universo’. Con esa premisa y basándose en las obras del artista Simon Stålenhagen las que este combina un paisaje campestre o urbanita con robots, Nathaniel Halpern ha creado una serie de ciencia ficción con temática trascendental que provocará, en el buen sentido, algún que otro dolor de cabeza al espectador dejándole buen sabor de boca.

Tales from The Loop ha sido planteada como una antología de ocho episodios. Sin embargo, es tan inusual en su concepción como en su desarrollo. Porque su origen está en obras pictóricas y sus capítulos se pueden ver, en teoría, en el orden que se quiera. De hecho, desde Amazon han dado acceso a los medios al 1, 4 y 6. El nexo de unión entre todos ellos va más allá del universo diseñado ya que las historias comparten actores y personajes, aunque en cada una de ellas el protagonismo recaiga sobre uno o varios de ellos.

Imagen promocional de Tales from the Loop II. / ARCHIVO
Imagen promocional de Tales from the Loop II. / ARCHIVO

El primero de los capítulos, titulado Loop, sirve para presentar tanto a ese invento que da nombre a la serie como a la familia protagonista, la de Loretta, una madre con dos hijos y un marido con un brazo robótico que mantiene una relación más cordial, cercana y laboral con su suegro que su heredero natural. Ella es Rebecca Hall, conductora de esa primera toma de contacto. A su padre político lo interpreta Jonathan Pryce. De la mano de ambos y de un niña pequeña que busca a su madre y su casa -ambas desaparecidas- se abordan temas como la maternidad, el vínculo que esta genera y el abandono.

Echo Sphere, dirigido por Charlie McDowell, es el cuarto episodio y, sin duda, el más existencialista de todos los facilitados por Amazon. En él la pareja protagonista la componen Russ (Jonathan Pryce), quien creó The Loop para convertir, dice, ‘lo imposible en posible y dar esperanza’, y su nieto menor Cole (Duncan Joiner). El segundo es uno de esos niños que no se conforma con cualquier respuesta y que se hace muchas preguntas a sí mismo, pero también a los demás. Sobre todo cuando encuentra en mitad del campo una esfera. Todo este episodio gira alrededor de cómo afrontar la muerte, aprender a decir adiós y cuestionarse si existe un más allá.

Curiosamente, el mejor de los tres capítulos vistos antes del estreno de este viernes es aquel en el que la familia que hace de hilo conductor desaparece casi por completo. Se trata del sexto, Parallel. Está dirigido por Charlie McDowell, ambientado en un mundo alternativo y el protagonista es el portero de las instalaciones, Gaddis (Ato Essandoh). Un personaje que no resultará extraño al espectador porque le habrá visto en los anteriores de haber seguido el orden numérico de los episodios durante su visionado.

Imagen promocional de Tales from the Loop III. / ARCHIVO
Imagen promocional de Tales from the Loop III. / ARCHIVO

Como se desprende del argumento y de las temáticas planteadas en Tales from The Loop, esta es una de esas series en las que la ciencia ficción es aprovechada para abordar temas trascendentales. De esas que lanzan y generan más preguntas de las que responden y en las que conviene estar atento para no perderse. El esfuerzo se ve recompensado doblemente.

Por un lado por toda esa ambientación retro de los ochenta en la que no hay teléfonos móviles pero sí un dispositivo capaz de hacer viajar a la gente a través del tiempo y el espacio, tractores que no pisan el suelo y robots que pasean por bosques y campos. Por otro, por las historias, que enganchan, cada a una a su manera y, todas ellas, contadas en forma de bucle haciendo honor al título.

https://www.publico.es/culturas

Narcos: ficción y realidad

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No hay ficción sobre el narco que pueda superar argumentalmente la realidad del narco. El narco es superior a la imaginación. Siempre hay un error en querer agregar imaginación a los hechos del narco. Narcos, de Netflix, es quizá lo mejor que se ha filmado sobre el narco real, porque no inventa mucho y es claro que se equivoca donde inventa. Se trata de una contradictoria hazaña de la imaginación: pegarse lo más posible a la realidad. La historia real del narcotráfico, como digo, desafía la imaginación más desbordada. Se trata, para empezar, de un mundo clandestino con dos orillas: la de los narcotraficantes y las de sus perseguidores, esta última dividida a su vez en la de los perseguidores estadunidenses y las de los perseguidores locales, mexicanos o colombianos: laberinto insoluble por méritos propios. Son dos o tres mundos opuestos en principio, pero conectados en la realidad a sangre y fuego, mezclados a sangre y fuego por la complicidad, la rivalidad, las ganancias, la ambigüedad y los escenarios cambiantes que todo lo anterior va produciendo. El narco del que hablamos como si fuera un mundo claro, ilegal, separado del nuestro, es en realidad un mundo próximo, fluido, regido por la mezcla de los intereses de un gigantesco mercado negro donde manda una lógica cambiante de amigos/enemigos y perseguidos/perseguidores. Los amigos/enemigos, perseguidos/perseguidores de hoy son los amigos/enemigos, perseguidos/perseguidores de mañana. Esta es, creo, la gran propuesta argumental de Narcos Netflix: juegan ahí todos los jugadores del mercado informal de la droga en una lógica sangrienta de amigos/enemigos que cambia según los caprichos del propio mercado, según la historia y de la corrupción política de cada día. Los narcos no pueden existir sin la complicidad de sus perseguidores. A mayor persecución, mayor violencia, a mayor violencia mayor complicidad, a mayor complicidad mayor mercado negro, a mayor mercado negro, mayor ganancia. Quizá la diferencia cualitativa de la serie Narcos de Netflix, tanto en las temporadas de Colombia, como en las de México, es que los perseguidores son tan importantes en la historia como los perseguidos, y tan visibles y tan ambiguos , por momentos tan ilegales y tan violentos como ellos. 

hector.aguilarcamin@milenio.com

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Qué significan las llaves y otros secretos de ‘Locke & Key’

Meredith Averill, showrunner y guionista de la serie, habla sobre la adaptación de ‘Locke & Key’.

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El siete de febrero, Netflix estrenó una nueva serie que rápidamente se ha colocado entre las favoritas del público, pues actualmente Locke & Key está en el segundo lugar de lo más visto en la plataforma. 

 

«La historia de Locke & Key cuenta las vivencias de la familia Locke,  que viaja desde Seattle hasta su hogar ancestral, Casa Llave, en Matheson, Massachusetts. Se están mudando después de una terrible tragedia. Su padre, Rendell Locke, fue asesinado por uno de sus estudiantes, y ellos se mudan a Matheson para comenzar una nueva vida. Pero cuando llegan a Casa Llave descubren que la casa está llena de llaves mágicas que los transportan a increíbles aventuras. Pero las llaves también los llevan a descubrir que hay una mujer demonio llamada Dodge que ha quedado atrapada en un pozo dentro de esta propiedad. Bode la descubre en el episodio piloto, ella se escapa del pozo al final del episodio, y a partir de ese momento, comienzan las aventuras. Al mismo tiempo, los niños también están descubriendo que su padre tenía alguna conexión con estas llaves y eso es parte del gran misterio de nuestra primera temporada. ¿Qué conexión tenía su padre con las llaves cuando era adolescente y vivía en Casa Llave? ¿Y cuál es la conexión entre su muerte y las llaves?», cuenta Meredith Averill, showrunner y guionista de la serie, habla sobre esta adaptación tan especial.

Sobre el enfoque creativo que se le está dando a la serie, la showrunner aseguró que no querían centrar tanto en la historia de terror: «La versión de Hulu indudablemente se centraba más en la historia de terror. Yo  sentí que ese tono no es el más adecuado para la historia, al menos no para mí. Queríamos hacer algo más centrado en la familia y en lo que estos personajes enfrentan, y también en la alegría que estas llaves les pueden dar. También  queremos incluir el elemento del terror. Ese equilibrio en el tono es muy muy importante para la serie y es un punto muy difícil de encontrar. Pero con estos personajes en particular hemos podido dar en la tecla y fue muy emocionante».

Qué significan las llaves y otros secretos de Locke & Key 1

Una de las cosas más particulares de la serie es la Casa Llave,  Averill cuenta cómo es: «Es lo opuesto a Hill House, la casa de “La maldición de Hill 

House”, porque es una casa muy acogedora, muy cálida. Casa Llave es una casa en la que deberías sentir ganas de vivir. Estuvo descuidada durante muchos años, entonces cuando la familia Locke se muda, se siente como que necesita amor y cariño. Hay muchos momentos de asombro y tiene también algo de enigmática. Rory agregó muchísimos detalles extra en toda la casa. El papel con el que está empapelada la habitación de Kinsey está lleno de llavecitas que parece que cuelgan de la pared. En el vestíbulo, se pueden ver pequeñas cerraduras en los pisos. Hay letras “K” y “H” en toda la casa que representan el nombre de Casa Llave en inglés, “Keyhouse”. Realmente le prestó muchísima atención a cada detalle. No es como una casa de cómic, porque queríamos que se viera terrenal, como una casa que podría existir en el mundo real. Pero sí tiene algo que la hace especial».

Qué significan las llaves y otros secretos de Locke & Key 2

Si ya viste la serie, sabrás que las llaves son un aspecto muy relevante dentro de la historia: «Las llaves son centrales en la serie, son las que dan inicio a toda la acción.  Representan uno de los temas más importantes de la serie, que es la idea de la identidad. Cada una de las llaves tiene el poder de cambiarte o de cambiar tu mundo de alguna manera, y todas te hacen la misma pregunta: “Si tienes el poder de hacer algo, y si deberías hacerlo”. Hablamos largo y tendido en la sala de guionistas de cada llave y de cómo mostrarlo. ¿La realización de qué deseo  esconde cada llave? ¿Cuáles serían las maneras más excitantes en las que se podría usar una llave y también cuáles serían las más peligrosas?». 

La propia guionista revela qué significa cada llave:

«La llave Donde sea te permite transportarte a cualquier parte del mundo, siempre que hayas visto una puerta en ese lugar. 

La llave Mental te permite meterte en tu propia cabeza y rememorar tus recuerdos. 

La llave Eco abre la casa del pozo, y una vez que entras, puedes hacer aparecer a una persona muerta. Pero cuando la persona vuelve, queda confinada a la casa del pozo. No puede salir de ahí. 

La llave Fuego actúa como un fósforo. Si la deslizas sobre algo, se enciende. 

La llave Fantasma va dentro de la Puerta Fantasma, la cual se encuentra en el  estudio de invierno de Casa Llave. Si la colocas en esa puerta y cruzas el umbral, tu  cuerpo corpóreo cae al piso y te conviertes en un fantasma. Y puedes volar a cualquier parte del mundo. 

La llave Reparadora abre un gabinete donde puedes colocar algo roto y se arregla mágicamente. 

La llave Sombra va dentro de una pieza que se llama la Corona de sombras.Quien use la Corona de sombras puede conjurar a un ejército de sombras que harán lo que esa persona les ordene. 

La llave Caja musical va dentro de una cajita de música especial. Quien ponga la llave en la cajita de música y la abra puede susurrar una acción dentro de la cajita y usar como títere a alguien para hacer lo que quiera. 

La llave Omega es la llave más importante. Es la llave que Dodge está buscando durante toda la temporada. La llave Omega abre la Puerta Negra, que es una puerta en las profundidades de unas cavernas que están cerca de Casa Llave. 

La Puerta Negra lleva a otra dimensión, la dimensión de donde proviene Dodge. La llave Planta puede manipular la materia, generalmente a las plantas, y puede usarlas como armas. En la escena del cementerio está la llave Planta. 

Tenemos algunas llavecitas sorpresa, pero preferimos no hablar de ellas todavía».

Qué significan las llaves y otros secretos de Locke & Key 3

Por último, Meredith Averill describió en sus propias palabras qué significa para ella “Locke & Key”: «Lo que es genial de “Locke & Key” es que es una fusión de muchos géneros diferentes. Tenemos un drama familiar, una historia de niños que maduran, la temática del terror y también hay fantasía. Si eres fanático de “Harry Potter”, de “Stranger Things” o de “La maldición de Hill House”, creo que muchos de estos elementos confluyen de una manera hermosa en “Locke & Key” y la convierten en una serie realmente única».

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