¿Qué sensación te produce ‘lo nuevo’: miedo o fascinación?

           

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Desde hace unos días por Espacio SOLO ronda una pregunta: 
¿Qué es lo que nos hace humanos? 

¿El ADN?
¿La conciencia de la muerte?
¿El sentido del humor?
¿La creatividad?

En este museo de arte piensan que las ideas y la imaginación es lo que nos hace humanos. Están de acuerdo con lo que dice el antropólogo Agustín Fuentes: «La capacidad de movernos entre lo que es y lo que podría ser nos ha permitido ir más allá de ser una especie con éxito para convertirnos en una especie excepcional». 

Still Human

En este lugar, junto al Retiro madrileño, han hecho un reseteo artístico. Descolgaron las obras y las pinturas que tenían sus paredes. Recogieron los toys y esculturas de las salas. Dejaron el espacio en blanco y volvieron a llenarlo con un interrogante que lleva a mil más: 

¿Cómo nos relacionamos con lo nuevo?
¿Cómo reaccionamos ante lo desconocido?
¿Da miedo el cambio? 

A este presente de 2020 lo sacude la tecnología. Es el motor que nos lleva al futuro. Dentro y fuera del cuerpo humano. En ese avance hacia un mundo de personas cíborg (con dispositivos en su organismo) y máquinas inteligentes (con redes neuronales capaces de aprender), en Espacio SOLO se cuestionan:

¿Aún somos humanos?

Still Human

La respuesta está en la nueva colección de obras que llenan el museo. En este recorrido dirigido por pinturas, esculturas, obras sonoras, arte new media y piezas de inteligencia artificial hay una contestación para cada visitante. Espacio SOLO lo plantea como una exploración de un futuro que estará marcado por una tecnología que lo irá cambiando todo, sin parar, por todos lados, a una velocidad imparable, y por una vida llena de enlaces, redes y vínculos que conectarán todo con todo. 

Las casi cien piezas de 40 artistas contemporáneos expuestas hoy en Espacio SOLO exploran «nuestra capacidad para crear, expresarnos, percibir emociones, observar y adaptarnos a lo que nos rodea, armados de imaginación». Del conjunto de las obras parten miles de reflexiones y, para SOLO, una conclusión: Still Human (Todavía humanos). Así han titulado este recorrido expositivo. «Aventuramos que no solo somos humanos», dicen. «Somos más humanos que nunca».

Still human
WALLMOUNTED Big Data. De Smack. Colección SOLO/Onkaos
Still human
MUSHROOM Egonaut. De Smack. Colección SOLO/Onkaos

SMACK

Este trío artístico holandés, que forma parte del programa de mecenazgo de Colección SOLO, estrena siete videorretratos en la exposición Still Human. Cada uno de los siete personajes habita en una obra anterior: SPECULUM, pero ahora aparecen en solitario: en estas piezas, ellos son los únicos protagonistas. Uno está rodeado de cámaras, acosado por el big data. Otro está colgado de un hashtag. Otro es un egonauta sentado en un champiñón.

Fest. En el recorrido artístico Still Human
Fest. De Nikita Diakur. Cortesía del artista

NIKITA DIAKUR

Este artista ruso utiliza las técnicas de las marionetas digitales y la simulación dinámica en 3D de un modo distinto al habitual. A Diakur no le interesa la estética pulcra y pulida; prefiere que se vean los errores y dejar parte de su creación al azar. En Still Human está su obra Fest, ganadora de un Anca Award en 2019. Colección SOLO ve en Diakur un artista que «explora nuevos lenguajes visuales con las herramientas tecnológicas más vanguardistas». 

¿Qué sensación te produce ‘lo nuevo’: miedo o fascinación?
The Screen Saver. De Wong Ping. Cortesía del artista y Edouard Malingue Gallery, Hong Kong /Shanghai; Tanya Bonakdar Gallery, New York / Los Angeles

WONG PING

Un personaje peludo se rapa, se depila, se esquila. El artista de Hong Kong reflexiona sobre la identidad, la masculinidad y el deseo sexual en la videoanimación Screen Shaver

¿Qué sensación te produce ‘lo nuevo’: miedo o fascinación?
Big Bang Pop. De Sergio Mora. Artista residente en SOLO. Colección SOLO

SERGIO MORA

Este artista español ha hecho de la mezcla de la elegancia tropical, la robótica vintage y los superhéroes como Botijomán el estilo Sergio Mora. Colección SOLO ha comisionado a Mora cuatro portadas de cómic para Still Human.  

¿Qué sensación te produce ‘lo nuevo’: miedo o fascinación?
De David Lewandowski. Cortesía del artista

DAVID LEWANDOWSKI

Podría ser dadaísmo de hoy. Este artista afincado en Los Ángeles crea sus videoanimaciones desde «una pasión obsesiva por la ridiculez». Lewandowski combina metraje fotográfico con imágenes creadas en 3D para inventar narrativas cotidianas llenas de absurdo. Sus obras Going to the storeLate for meeting y Time for sushi se proyectan en el auditorio de Espacio SOLO como parte de la exposición Still Human

¿Qué sensación te produce ‘lo nuevo’: miedo o fascinación?
Greta. De Nina Saunders, Colección SOLO

NINA SAUNDERS

Esta artista danesa ve vida donde otros ven desechos. A Saunders le interesan los muebles viejos, los que ya nadie quiere. Le intriga la relación que tenemos con los objetos cotidianos. Y le importa lo que pueden llegar a ser: piezas de arte con una personalidad, con un relato detrás. «Me vienen constantemente historias a la cabeza», cuenta la artista, en la biblioteca de Espacio SOLO. «Estas historias me entretienen, me hacen reír, y hace unos años decidí llevarlas a mis piezas».

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Dibujos y esculturas de amor vulnerado

Cuando se contemplan estos dibujos, recortes y pequeños yesos de Rodin hay que imaginar hasta qué grado de sensibilidad puede el arte sublimar las más oscuras pasiones

Una visitante de la exposicion Rodin-Giacometti en la Fundacion Mapfre, en Madrid.
Una visitante de la exposicion Rodin-Giacometti en la Fundacion Mapfre, en Madrid. VICTOR SAINZ

 

En la Fundación Canal, en Madrid, se exponen dibujos, recortes y pequeñas esculturas de yeso de Augusto Rodin, una obra poco conocida y hasta ahora nunca exhibida en público. Se trata de una recreación íntima y sensible del cuerpo de la mujer. Después de contemplar esta exposición en la que Rodin convierte el desnudo femenino en un delicado ballet, resulta muy difícil imaginar a este artista sentado en una poltrona en babuchas con su gran barriga desnuda bajo el batín de seda y a su mujer arrodillada ante su imponente figura dándole cucharadas de sopa con el peligro de que si no le gustaba la comida echara de una patada el plato a rodar. Se llamaba Rose Beuret. Rodin la había conocido cuando era una modistilla analfabeta de 24 años, que cosía botones en la guardarropía del teatro Gobelins.

Si uno imagina que esos dibujos con grafito, esas acuarelas recortadas y los pequeños yesos modelados con la yema de los dedos habían sido inspirados por el desnudo de esa amante, que además de servirle de modelo le limpiaba la casa, le preparaba la comida, le ponía cataplasmas y en la cama le satisfacía el sexo abrupto, uno llega a pensar en qué intrincado laberinto estaba encerrada el alma convulsa de este minotauro. Sucede a menudo. He aquí a un artista zafio, machista, depredador sexual que nunca permitió que su mujer le acompañara a ningún acto público, ni siquiera a una fiesta entre amigos y a la hora de calmar sus celos le decía que ella sería siempre su preferida y, en cambio, era capaz de extraer de cada movimiento del cuerpo de aquella mujer primaria e inculta una armonía exquisita que no se puede alcanzar sin una profunda pasión de amor y conocimiento. Rodin se casó con ella pocos meses antes de morir, después de vivir juntos medio siglo entre sucesivas tormentas. Ella tenía ya más de 70 años y para la ceremonia ni siquiera se peinó ni se dio polvos en la cara.

En la exposición de la Fundación Mapfre los bronces y mármoles tempestuosos de Rodin dialogan con los caminantes metafísicos de Giacometti. En este caso, al contrario de lo que sucede con los íntimos dibujos y acuarelas, las pasiones primitivas del artista forman parte inseparable de su genio a la hora de enfrentarse a la materia, bronce o mármol y crear la escultura moderna, pero también aquí su obra está lacerada por la presencia dramática de otra mujer, Camille Claudel, una joven escultora que a los 19 años entró a trabajar como aprendiz en el taller del maestro. Tenía una belleza delicada y un talento extraordinario. Rodin la enredó muy pronto en una pasión salvaje, desordenada y neurótica, que, pese a todo, comenzó a dar frutos de primera calidad. Camille era su musa y modelo y le ayudaba a esculpir. Rodin se la apropió por completo, pero el talento de esta artista pronto fue reconocido fuera del taller, lo que destapó en él una tormenta de celos. En la famosa escultura El beso tal vez era la propia Camille Claudel la protagonista. Esta incipiente gloria de su discípula laceraba el ego de Rodin, quien al mismo tiempo admiraba su toque personal femenino como parte de su propia alma. Camille trabajó en las figuras de su obra monumental La Puerta del Infierno, le inspiró otros trabajos, que firmó ella con el nombre del maestro.

Para la cocina estaba la otra, que le daba de comer de rodillas y en la cama le aplacaba la carne animal. Rose Beuret se quedaba en casa mientras Camille acompañaba al maestro en las fiestas de sociedad donde era reconocida en público como amante oficial y aunque prometió casarse con ella y la embarazó varias veces sin resultado feliz, esta escultora superdotada comenzó a darse cuenta de que nunca lograría retener a aquel salvaje, al que su esposa tenía agarrado por el lado más ciego e instintivo. La rivalidad entre las dos mujeres llegó muchas veces a las manos, a arrastrarse por el pelo en el taller en medio de las esculturas. A Camille sólo le quedaba despedirse de su maestro esculpiendo su dolor en un mármol excelso, L’Age mûr, en la que aparece ella suplicante, con las manos tendidas hacia Rodin y a este dándole la espalda arrastrado por un ángel caracterizado de bruja.

Con el doble fracaso del corazón se iniciaron en Camille sus primeros brotes nerviosos, pero su esquizofrenia iba creciendo pareja al éxito de su trabajo, cada día más reconocido por la crítica. El final de esta escultora es bien conocido. Treinta años en un manicomio con los ojos fijos en la pared de enfrente o atada a la cama y después una muerte sin tumba conocida y toda la gloria para Rodin con sus mármoles y bronces renacidos de un amor vulnerado y voluptuoso de dos mujeres que le ayudaron. Cuando se contemplan estos dibujos, recortes y pequeños yesos y también esas esculturas poderosas de Rodin hay que imaginar en este caso hasta qué grado de sensibilidad puede el arte sublimar las más oscuras pasiones y cuántas lágrimas suele ocultar la belleza.

https://elpais.com/cultura

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

Viajando por distintos países es imposible ignorar los monumentos de talentosos escultores que crean obras de arte auténticas con piedra y metal. En Genial.guru queremos compartir contigo esta selección sobre las mejores obras de la imaginación humana que adornan las calles de diferentes ciudades alrededor del mundo.

Fuerza de la naturaleza, Qatar

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© imgur  

Así se llama la serie de esculturas del artista italiano Lorenzo Quinn que muestran a una mujer sujetando el globo con un pedazo de tela. Las esculturas se ubican alrededor del mundo: en Inglaterra, Estados Unidos, Mónaco y Singapur.

El poeta Mihai Eminescu, Rumania

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© (с) Dan Dima  

El nombre de Mihai Eminescu hoy en día se considera sagrado para cualquier rumano o moldavo. En su honor se erigió esta estatua que luce aún más hermosa con la puesta del sol.

Mustangs de Las Colinas, Estados Unidos.

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© (с) Tom  

El tamaño de los mustangos de bronce es 1,5 veces más grande que su tamaño real. La idea del monumento es transmitir la fuerza que mueve montañas, la iniciativa y el espíritu libre que eran inherentes a Texas en el período de su desarrollo.

Expansión, Estados Unidos

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© (с) Anastasia Tank  

Este monumento sorprendente en la actualidad se considera una de las mejores obras del arte moderno. El escultor Paige Bradley dice que este monumento fue el resultado de sus reflexiones sobre la actitud crítica de la opinión pública a las esculturas que muestran personas.

Transición, Polonia

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© (с) Anonymous Panda  

Polonia es un país que ha pasado por muchas dificultades y desgracias. Este monumento está dedicado a las víctimas de la aprobación de la ley sobre la situación militar.

Hipopótamo, Taiwan

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© (с) linadavidaviciute  

El monumento de los hipopótamos en el zoológico de Taipei es un recuerdo de lo importante que es proteger a los animales salvajes.

Botas en las orillas del Danubio, Hungría

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© (с) Lýdia Melnová  

El monumento a los judíos fusilados en Hungría. Inaugurado en 2005.

Libertad, Estados Unidos

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© (с) Julija K.  

La escultura del artista Zenos Frudakis muestra a una persona diferente que paso a paso se separa de la masa gris de cara, brazos y piernas.

Los niños bañándose, Singapur

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© (с) linadavidaviciute  

“Los niños bañándose“ son parte de la serie de esculturas ”People of the River”, las cuales muestran el estilo de vida de los primeros habitantes que se instalaban a las orillas del río.

Monumento a los judíos, Cracovia

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© (с) Lýdia Melnová  

Las sillas recuerdan que durante la expulsión de los Judios a los guetos, todos los muebles fueron llevados a las calles para que nadie pudiera esconder a sus bebés.

Escultura del salmón, Estados Unidos

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© (с) Ava Hirschsohn  

La escultura del salmón en Portland atraviesa uno de los edificios de la ciudad.

Leones, Gran Bretaña

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© Anonymos Panda  

Los leones negros creados por el escultor profesional Kendra Heist vigilan la Torre de Londres de los visitantes que no son bienvenidos.

Escultura de araña Maman, Tokio

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© (с)    © jpe  

La escultura de 9 metros hecha de bronce, acero inoxidable y mármol, apareció en 2007. “Esta araña está dedicada a mi mamá, quien para mí fue mi mejor amiga“, dice la escultora Louise Bourgeois, ”Al igual que la araña, ella era una tejedora”.

Caballo gigante Kelpie, Escocia

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© Kit Downey  

La construcción duró 7 años. Los monumentos alcanzan 30 metros de altura y simbolizan el cambio en la industria escocesa y la economía que consistía en dejar de usar caballos para jalar vagones, arados y barcazas.

El camino de la libertad, Vilnius

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© (с) Busy_Panda  

“El camino de la libertad” es una escultura dedicada al vigésimo aniversario de la restauración de la independencia de Lituania e invita a todos los residentes del país a seguir el camino de la libertad y la unión.

Cabinas telefónicas, Reino Unido

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© (с) Aurimas Steponavičius  

La escultura fue creada a partir de las cabinas telefónicas viejas de modelo clásico K6 de color rojo. Simboliza la época que lastimosamente se está volviendo parte del pasado: las cabinas telefónicas se sustituyen por los teléfonos móviles.

Los emigrantes, Irlanda

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

© (с) Anonymous Panda  

La Gran Hambruna en Irlanda dejó una gran huella en la historia del país. En los pocos años de hambre Irlanda perdió el 20-25% de su población. El monumento está dedicado a las víctimas del terror, se ubica en el centro de Dublín.

Los dragones enamorados, Bulgaria

17 Esculturas modernas que pueden enamorarte

Según las declaraciones del autor del monumento, D.Lazarov, creó a los personajes de cuentos de hadas para alegrar a los niños: a un lado de la escultura se encuentra ubicada una piscina donde los pequeños practican natación.

Traducción y adaptación Genial.guru

https://genial.guru/creacion-arte/17

15 esculturas contemporáneas asombrosas

Es impresionante la fuerza y la expresividad que puede tener una escultura creada para ser inmortalizada en el espacio y en el tiempo; obervadlas, arrancad esos gestos, esos movimientos, esas miradas o esas expresiones hechas para ser contempladas eternamente.

1. “Expansion Sculpture” en el Puente de Brooklyn

Las esculturas mas espectaculares 1 del mundo

El bello arte de esculpir puede hacerse sobre piedra, bronce, mármol, e incluso con técnicas digitales, y las esculturas pueden exhibirse y contemplarse en museos o en entornos naturales o urbanos con los que interactúan.

Alrededor del mundo podemos encontrar en nuestras ciudades y parques impresionantes esculturas que representan nuestra parte artística y cuentan una historia capturada en un momento. 

2. “Guardians of Time” en Stonehenge, Reino Unido

Las esculturas mas espectaculares 2 del mundo

3. “Underground Passage Memorial” en Wroclaw, Polonia

Las esculturas mas espectaculares 3 del mundo

Las esculturas son la materialización de muchos de los anhelos, los sueños, las simbologías y los sentimientos que los artistas no pueden expresar con palabras, y en esta galería podéis ver algunas de las más asombrosas que hay en el mundo.

 4. “Mustangs at Las Colinas” en la Plaza Williams, Texas

Las esculturas mas espectaculares 4 del mundo

5. “The Inevitability Of Time Sculpture”, en Emirates Financial Towers, Dubai

Las esculturas mas espectaculares 5 del mundo

6. “Villa di Pratolino” en Florencia, Italia

Las esculturas mas espectaculares 6 del mundo

7. “Octopus Chess” en George Street, Inglaterra

Las esculturas mas espectaculares 7 del mundo

8. “Santo Domingo Savio”, en Medellín-Antioquía, Colombia

Las esculturas mas espectaculares 8 del mundo

9. “Cap`è Caxx” de Yoan Capote

Las esculturas mas espectaculares 9 del mundo

10. “Bad Dog” Orange County Museum en New Port Beach, California

Las esculturas mas espectaculares 10 del mundo

11. “Ecstasy” en el Hayes Valley, San Francisco

Las esculturas mas espectaculares 11 del mundo

12. “Bronze Sculpture” de Tomohiro Inaba

Las esculturas mas espectaculares 12 del mundo

13. “Sculpture” de Fabien Mérele

Las esculturas mas espectaculares 13 del mundo

14. “Park of the Monsters” en Bomarzo, Italia

Las esculturas mas espectaculares 14 del mundo

15. “Colossal” en el Mori Art Museum, Tokyo

Las esculturas mas espectaculares 15 del mundo

 h/t: Art Fido

https://culturainquieta.com/es/arte/escultura/item/14260-

LA ESTAFA DEL ARTE MODERNO: DUCHAMP ROBÓ A ESTA MUJER LA OBRA QUE LO HIZO FAMOSO

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¿ES MOMENTO DE REESCRIBIR LA HISTORIA DEL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO? ASÍ LO SUGIEREN ESTOS INDICIOS EN CONTRA DE MARCEL DUCHAMP Y A FAVOR DE LA BARONESA ELSA VON FREYTAG-LORINGHOVEN.

Este es sin duda el urinario más famoso del mundo. Lo ha sido desde 1917, cuando Marcel Duchamp lo presentó ante la Sociedad de Artistas Independientes para formar parte de la exhibición que ésta organizó en el Grand Central Palace de Nueva York.

Ya entonces y en los años posteriores, la pieza fue celebrada como uno de los gestos más disruptivos del arte moderno. Con Fountain, el nombre que Duchamp dio a la obra, el artista francés abrió el camino del llamado “arte conceptual”, esto es, la obra de arte cuyo sentido no se ofrece directamente al espectador, sino que descansa en un entramado teórico del cual es necesario estar advertidos para entenderla. 

En ese sentido, Fountain ha sido considerada históricamente como el readymade mejor logrado de Duchamp, siento éste una forma de arte definida por André Breton como “un objeto ordinario elevado a la dignidad de una obra de arte por la mera elección de un artista”. En oposición al “arte retinal” (el arte que entra fácilmente por los ojos), Duchamp ideó otro recurso en el que la experiencia estética se construye a partir de la manera en que el artista percibe tanto la realidad en sí como el arte en particular, lo cual exige un proceso continuo de examen sobre las ideas que determinan la percepción.

Por estos y otros motivos, el mingitorio de Duchamp fue celebrado tanto en su tiempo como en años posteriores. En general se le considera un punto de quiebre en la historia del arte, en buena medida por la originalidad de su propuesta. 

Sin embargo, todo esto podría estar sustentado en un engaño, pues algunas investigaciones recientes ponen en duda la autoría de Duchamp sobre la famosa pieza, atribuyéndosela en cambio a la baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven, artista y poeta que según parece fue su artífice original, tal y como fue presentada en Nueva York.

Las sospechas en torno a este asunto comenzaron a levantarse a partir de una carta que Duchamp escribió a su hermana en abril de 1917, en la cual escribió: 

Una amiga mía, bajo un seudónimo masculino, Richard Mutt, había enviado un urinario hecho de porcelana como escultura. No era en absoluto indecente, no había razón para rechazarlo. El comité decidió negarse a exponer esta cosa.

Por muchos años se creyó que esa “amiga mía” que cita Duchamp (y de quien no se tienen más datos) era una invención del artista para disimular ante su hermana la polémica que despertó la pieza. De hecho, en cierta época Duchamp usó un pseudónimo femenino para firmar sus obras, “Rrose Sélavy”, por lo cual también se creyó que dicha amiga fuera en realidad una referencia a sí mismo.

Sin embargo, con el tiempo hubo quienes quisieron saber más al respecto y despejar la duda. ¿Y si, después de todo, esa amiga existiera? Por otro lado, la descripción de la pieza hecha en la carta fue casi exacta; si Duchamp era el autor original, ¿por qué “inventar” ese misterioso envío?

Las dudas se multiplicaron luego de que el artista dijo que el pseudónimo R. Mutt, cuya firma es un elemento distintivo de la obra, se le ocurrió por el nombre del fabricante del urinario, J. L. Mott Iron Works, pero investigaciones posteriores (especialmente las del historiador del arte William Camfeld), han mostrado que dicha fábrica no producía el modelo presentado por Duchamp. En una labor todavía más dedicada, Camfeld ha examinado otros catálogos de urinarios comercializados en Estados Unidos en aquella época y en ninguno ha encontrado el modelo de Fountain.

La evidencia parece jugar en contra de Duchamp, ¿pero cuáles son los elementos que apoyan la atribución de la obra a la baronesa von Freytag-Loringhoven?

LA ESTAFA DEL ARTE MODERNO: DUCHAMP ROBÓ A ESTA MUJER LA OBRA QUE LO HIZO FAMOSO

Elsa von Freytag-Loringhoven en su apartamento en Nueva York, en 1915 (Archivo Bettmann)

Algunas de las investigaciones que apoyan esta hipótesis se basan en la cercanía entre Duchamp y Freytag-Loringhoven, quienes, además de ser amigos y vivir en Nueva York más o menos en la misma época, compartían ciertas ideas en torno al arte y la manera de realizarlo. La baronesa, que fue poeta y artista plástica, suscribió el movimiento Dadá y en general siempre mantuvo una posición vanguardista frente al arte.

Por la biografía que realizó Irene Gammel se sabe también que la artista tenía un sentido del humor especialmente escatológico. Al poeta William Carlos Williams lo llamaba “WC” (las mismas siglas en inglés para “sanitarios”) y a Marcel Duchamp le cambiaba el nombre por “Marcel Dushit” (que con cierta licencia podríamos traducir como “Marcel del Caño”, para conservar el sentido de la broma). Dicho rasgo sumamente subjetivo también se reflejó en sus piezas de arte, que frecuentemente estaban hechas de tubos, lavabos y otras piezas de cañería y plomería.

LA ESTAFA DEL ARTE MODERNO: DUCHAMP ROBÓ A ESTA MUJER LA OBRA QUE LO HIZO FAMOSO

Dios, 1917: una escultura atribuida muchos años únicamente a Morton Livingston Schamberg, actualmente se considera que Elsa von Freytag-Loringhoven fue co-artífice de la pieza, pero numerosos historiadores creen que la sola aportación de Livingston fue fotografiarla. 

De hecho, también desde un punto de vista subjetivo, Gammel encontró otro rasgo biográfico que podría ser sumamente elocuente en relación con el urinario en cuestión: la madre de Freytag-Loringhoven murió de cáncer uterino, de lo cual la baronesa siempre culpó a su padre por una enfermedad venérea que él se negó a tratar. No son pocos los críticos que han visto en el urinario de Duchamp cierto simbolismo uterino, lo cual podría tener cierta significación si se toma en cuenta que se trata de un objeto destinado al uso masculino pero invertido para figurar de otra manera. Si a esto añadimos que la inscripción añadida al urinario a manera de firma, “R. Mutt”, pareciera tomada de la palabra en alemán para “madre”, “mutter”, la balanza de la polémica y la duda parece inclinarse más a favor de Freytag-Loringhoven que de Marcel Duchamp. 

Recordemos que si bien esto puede parecer una suma de especulaciones, en el arte la subjetividad, el inconsciente y la historia de la vida se combinan de manera indirecta, azarosa, imprevisible y hasta enigmática. ¿Qué tanto en la biografía de Duchamp podría explicar la creación de Fountain? ¿Y qué tanto la pieza parece más coherente con la trayectoria y aun con la biografía de Freytag-Loringhoven?

Por si esto fuera poco, algunos exámenes grafológicos han establecido que la firma en el urinario coincide con la letra manuscrita de la baronesa.

Cabe mencionar que materialmente es imposible comprobar estas u otras hipótesis, pues la pieza original de Fountain se perdió o fue destruida. Curiosamente, su influencia se basó en una fotografía también célebre y ampliamente apreciada que realizó Alfred Stieglitz al poco tiempo de que Duchamp llevara el urinario ante la Sociedad de Artistas Independientes. Para 1935, André Breton adjudicó la autoría de la pieza a Duchamp y en 1950, cuatro años después de la muerte de Freytag-Loringhoven, el francés comenzó a autorizar en nombre propio reproducciones de la obra.

LA ESTAFA DEL ARTE MODERNO: DUCHAMP ROBÓ A ESTA MUJER LA OBRA QUE LO HIZO FAMOSO

Marcel Duchamp, Fountain, 1917, fotografía de Alfred Stieglitz tomada en la galería de arte “291”

En un artículo reciente en que Siri Hustvedt hace el recuento de esta historia de equívocos, la escritora utiliza este posible robo por parte de Duchamp para preguntarse por qué en general nos cuesta tanto admitir la autoridad intelectual y creativa de las mujeres en campos como el arte y la literatura. Hustvedt señala, justificadamente, que al enfrentarnos con una obra de arte tendemos a concederle a ésta mayor valor cuando nos enteramos que su autor es un hombre y, en cambio, cuando sabemos que su autora fue mujer, la subestimamos. 

Se trata de un prejuicio que forma parte de nuestra percepción, nos dice la escritora, pues en buena medida es efecto de la cultura en la que vivimos. Con todo, ello no significa que debamos dejarlo así, inamovible, sino más bien, como todo prejuicio, es necesario hacerlo consciente y preguntarnos si el cristal que impone sobre nuestra mirada es el correcto. ¿De verdad una obra vale menos por el solo hecho de haber sido realizada por una mujer? ¿De verdad una mujer no pudo ser la autora de una pieza que revolucionó el arte moderno? ¿De verdad es preferible ver las cosas bajo el prejuicio del engaño y la farsa?

Es momento de reescribir la historia, dice Siri Hustvedt, y al menos en el caso del arte parece haber elementos más que suficientes para emprender esa tarea.

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